Awangarda, generowana duchową atmosferą XX wieku z jej wielkimi kataklizmami, ilustruje nie tylko sprzeczności między różnymi systemami i technikami kompozycji, ale także zmagania światopoglądów

Irracjonalizm był rdzeniem rozwoju kulturalnego końca XIX – początku XX wieku. Ponieważ rozczarowanie mocą umysłu poznania rzeczywistości było jedną z głównych przyczyn powstania początku XIX wieku. romantyzm, podobne procesy duchowe i kulturowe końca XIX-początku XX wieku. czasami nazywany neoromantyzmem.

Neoromantyzm próbował zsyntetyzować i przemyśleć kulturę europejską, znaleźć ideologiczne i psychologiczne wskazówki dla jej rozwoju w schyłku kultury artystycznej, świadomości i moralności. Postacie kultury tego okresu nazywały siebie dekadentami, czyli ludźmi tworzącymi kulturę schyłku.

Awangarda (francuska awangardyzm – przed i po) – ogólna nazwa nurtów artystycznych XX wieku, które cechuje poszukiwanie nowych, nieznanych, często sztucznych form i środków wyrazu artystycznego lub niedocenianie całkowitego zaprzeczenia tradycji i absolutyzacji innowacji. Generowana w duchowej atmosferze XX wieku z jej wielkimi kataklizmami, ilustruje nie tylko sprzeczności między różnymi systemami i technikami kompozycji, ale także zmagania światopoglądów.

Niektórzy teoretycy i praktycy awangardy deklarują tworzenie sztuki elitarnej, dalekiej od zadań społecznych, inni wręcz przeciwnie, poszukują zupełnie nowych środków wyrazu, by oddać nastrój społecznego protestu, rewolucyjnych treści.

Wyróżniał się głównie nie gotową formą, ale tendencjami do wypierania tradycyjnych tematów, wątków i zasad kompozycji, przerostem umowności, silną (dźwiękową, kolorową, plastyczną i in.) wyrazistością. Charakteryzuje się także zburzeniem obiektywnie ustalonych granic między typami i gatunkami (przenikanie poezji i muzyki do prozy i „prozeizacja” poezji, przenoszenie zasad kompozycji muzycznej na literaturę i sztuki plastyczne).

Sprzeczny charakter awangardy znalazł odzwierciedlenie w przyciąganiu niektórych jej kierunków do formalizmu (zwycięstwo obrazowania i symbolizmu słownego nad treścią w poezji i prozie, akcentowanie koloru, struktura kompozycyjna i bezfabularność w malarstwie, atonalność i kakofonia w muzyce). ), a inni przeciwnie – zaprzeczyć istocie sztuki i utylitaryzmowi (połączenie sztuki z produkcją, życiem i publicystyką polityczną).

W swych skrajnych formach zamyka dekadencja, modernizm, sztuka abstrakcyjna. Utalentowani przedstawiciele awangardy początku XX wieku (futuryzm, imaginizm, konstruktywizm itp.), konsekwentnie wyznający postępowy światopogląd, potrafili przezwyciężyć wąskie ramy tych obszarów i wzbogacić kulturę o nowe wartości artystyczne.

W epoce neoromantyzmu rozwijają się prądy estetyczne i literacko-artystyczne – symbolizm. Uznanym przywódcą symboliki był słynny francuski poeta końca XIX wieku. Mallarmé. Dla symboliki najważniejsze było to, co nieznane na świecie i dusza ludzka, które można było wyrazić tylko za pomocą niejasnych symboli, podobnych do tych, które nie istnieją w naturze. Przedmiotem obrazu jest świat tajemnic i marzeń. W ich twórczości cudownie połączono to, co prawdziwe i tajemnicze, mitologiczne i mistyczne.

Irracjonalne zasady symboliki są szczególnie widoczne w poezji, malarstwie i sztuce teatralnej. Za luminarza symboliki uważany jest wybitny niemiecki kompozytor R. Wagner, który w swoich „dramatach muzycznych” łączył muzykę, poezję, malarstwo, architekturę, taniec i reżyserię. Przywódcą niemieckich symbolistów był słynny poeta S. Gheorghe. We Francji następcą Mallarme’a był poeta P. Faure, który w 1890 roku założył w Paryżu Teatr Artystyczny i ucieleśniał estetyczne zasady symboliki w różnych przedstawieniach, od dramatów, przez ekstrawagancje, po kompozycje literackie. W Rosji trend ten reprezentowali poeci O. Błok, V. Bryusov, A. Bely i kompozytor A. Skriabin.

W Anglii symboliści skupili się wokół Żółtej Księgi. Konsekwentnym symbolistą w sztuce angielskiej był wybitny reżyser G. Craig, reżyser słynnej opery „Dido i Eneasz”. Pisarz O. Wald był także bliski symboliki.

Styl Art Nouveau w sztuce

Na przełomie wieków pojawił się nowy styl modernizmu – nowy, nowoczesny, który znalazł wyraz we wszystkich rodzajach sztuki.

Styl secesji zastąpił schyłkowy w ostatniej tercji XIX wieku. Impresjonizm – nurt w sztukach plastycznych, który próbował uogólniać, syntetyzować postrzeganie przedmiotu poprzez rozkład kolorów na poszczególne elementy. Już w pracach francuskiego artysty P. Cezanne’a zauważalne jest odejście od impresjonistycznej wizji natury i przestrzeni. Oprócz ożywienia koloru i światła w obrazie, Cézanne wydaje się „rozpowszechniać przestrzeń, przenosząc w nią widza. Oprócz Cezanne’a postimpresjonistami są także W. van Gogh i P. Gauguin.

Gauguin uważany jest za przywódcę neoprymitywistów, ponieważ w poszukiwaniu nowej syntezy artystycznej, powrotu człowieka do harmonijnego zespolenia z naturą, uznał za konieczne dotknięcie starożytnych archaicznych kultur Wschodu. W tej syntezie Gauguin odrzucił niepotrzebne szczegóły, upraszczając model dla większej wyrazistości. Uproszczenie polegało na pewnej deformacji, naruszeniu proporcji, co było zdeterminowane zadaniami artystycznymi i miało odsłonić wewnętrzne znaczenie obrazu, jego istotę.

Postimpresjonizm wprowadził nowe trendy artystyczne, dla których najważniejsze było odrzucenie prostej reprodukcji widocznej powierzchni rzeczywistych przedmiotów i chęć wniknięcia w istotę zjawisk, wyrażenia wewnętrznego świata, ludzkiej natury. Nową sztukę nazwano awangardą. Podkreślał abstrakcjonizm i ekspresjonizm.

Kubizm był rodzajem abstrakcji. Za jej założycieli uważa się hiszpańskiego artystę P. Picassa. pracujący w Paryżu od 1900 roku oraz francuski artysta J. Braque.

Kubiści porzucili impresjonistyczne formy koloru i światła i próbowali tworzyć nowe formy wielowymiarowej perspektywy, rozkładając obiekt na kształty geometryczne (okręgi, półkola, trójkąty, sześciany). Jednocześnie obiekt został przedstawiony pod różnymi kątami, a nawet niewidoczny, co pozwoliło zrozumieć jego wewnętrzne znaczenie. Przykładem kubizmu są obrazy P. Picassa, „Dziewczyny z Awinionu”, „Skrzypce”, J. Braque – „Dom w Estac”.

Francuski artysta R. Delaunay wyszedł nieco poza kubizm. W przeciwieństwie do Picassa i Braque’a, którzy skupili się na rysunku, kompozycji zawierającej zniekształcenia geometryczne z niewielkim użyciem koloru, Delaunay podszedł do tworzenia obrazów geometrycznych jako kolorysta. Za pomocą kolorowych plam ułożonych w określonym rytmie starał się wzmocnić emocjonalny wpływ swoich obrazów. Jego najsłynniejszym obrazem są Okna symultaniczne (1912).

Abstrakcjonistą był słynny rosyjski artysta V. Kandinsky, który prawie całe życie mieszkał na Zachodzie i przez wiele lat pozostawał pod wpływem niemieckiego ekspresjonizmu – nurtu w sztuce początku XX wieku. duchowy świat artysty.

W przeciwieństwie do kubistów, którzy gloryfikowali współczesne miasto, rozwój technologii, ekspresjoniści widzieli w swojej nowoczesnej cywilizacji miejskiej zło, które rodzi duchowość. Groza przyszłych katastrof naturalnych i społecznych to główny motyw przewodni ekspresjonistów, który znalazł swój wyraz w połączeniu chaosu i bezcelowości.

Kompozycje i improwizacje Kandinsky’ego charakteryzowały się nagromadzeniem kolorowych plam o dowolnym projekcie, fragmentów zakrzywionych linii, które podlegały pewnemu rozmytemu rytmowi. „Sama forma”, pisał Kandinsky, „nawet jeśli jest całkowicie abstrakcyjna i podobna do geometrycznej, ma swój własny wewnętrzny dźwięk, jest bytem duchowym…” Pierwszym słynnym abstrakcyjnym obrazem Kandinsky’ego była „Akwarela abstrakcyjna” (1910).

Największą sławę wśród artystów abstrakcyjnych zdobył A. Matisse.

Aby zrealizować swój pomysł, artysta wybrał jasne, czyste kolory, łącząc je w nieoczekiwane związki, przedstawiając przedmioty nie w kolorach, w jakich one istnieją, śmiało deformował ludzkie ciało, posługiwał się obrazem planarnym. W najsłynniejszych obrazach „Taniec” i „Muzyka” Matisse osiągnął doskonały wyraz swoich postaw twórczych. Stworzył idealną trójcę dekoracyjnej harmonii: podstawy główne (niebo, ziemia i człowiek), trzy kolory (niebieski, zielony i pomarańczowy), trzy stany (statyka, dynamika i ich kombinacja w zbiorniku).

Przedstawicielami malarstwa abstrakcyjnego w Rosji byli K. Malewicz, M. Chagall, M. Larionov, P. Filonov i inni. Stąd najsłynniejsze obrazy Chagalla („Ja i wieś”, „Nad Witebskiem”) naznaczone są odrealnioną przestrzenią, prymitywizacją form i jaskrawą kolorystyką. Tematem obrazów rodzajowych Larionowa były prowincjonalne miasta i ich sposób życia. Jej formy, płaskie i groteskowe, jakby celowo stylizowane na dziecięcy rysunek.

Styl secesji rozwinął się nie tylko w malarstwie i rzeźbie, ale także w sztuce meblarskiej, tkanin, artykułów gospodarstwa domowego, ceramiki, witraży, mozaik i nie tylko. Wszędzie można go rozpoznać po wydłużonych konturach i liniach, specjalnej gamie kolorystycznej jasnych, pastelowych tonów i nie tylko. Różnorodność form w sztuce początku XX wieku. odzwierciedlała złożoną atmosferę duchową we współczesnym społeczeństwie europejskim.

Wraz z ustanowieniem reżimu bolszewickiego w Rosji powstały stowarzyszenia artystyczne „Genesis” i „NÓŻ”, które prowadziły poszukiwania w gatunku pejzażu i martwej natury. Najbardziej wpływową organizacją artystyczną było AHRR (Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnej Rosji).

W latach dwudziestych kubizm, futuryzm i ekspresjonizm zostały zastąpione surrealizmem, który postrzegał świat jako koszmar. S. Dali jest uznanym liderem surrealizmu. Znane są jego obrazy „Płonąca żyrafa” (1935), „Trwałość pamięci” (1931). P. Picasso – kompozycja „Guernica” (1937).

Dodaj komentarz

Twój adres e-mail nie zostanie opublikowany.